在日本《NYLON JAPAN》官方部落客蔡欣妤（Deby Tsai）所著之《東京ART小旅：帶你穿梭於美術館、展覽空間，彙整美感爆炸的必訪店鋪》中，曾分享著東京這座永遠不會令人生膩的巨大城市，所蘊含深厚又精彩的實力，其中對於日式美學的品味，不僅可於日常各方細節嗅得，建築、空間、小店與咖啡店，眾多美術館與精彩的策展，更是以無限的美感養分，滋潤我們的文化感官。
其中位在下町這所謂庶民派的藝術集中地，一處座落清澄白河的當代藝廊，匯聚日本與國際藝術家，以攝影等視覺媒介詮釋對於社會各面向的觀點，定期舉辦個展與聯展的同時，積極參與美國與歐洲的國際當代藝術博覽會，包括曾於居藝廊出展的長谷良樹（Yoshiki Haze）也在此以《ENA》系列作品，透過紀錄父親的故鄉恵那市，傳達日本農村的哀愁與美好，被譽為孕育當代藝術的新搖籃，透過 KANA KAWANISHI 負責人河西香奈女士的視野，與我們分享對於市場與藝術的觀察，同時河西女士也將出任 2019 Wonder Foto Day 評審之一，屆時也將為此年度最大國際攝影藝術交流會帶來更宏觀的視野。
關於河西香奈：
KANA KAWANISHI ART OFFICE / GALLERY 兩間藝廊的董事兼策展人。KANA是一位飽讀詩書的女性，小時於紐約成長，畢業於日本東京女子大學西洋服飾史研究室後，在紐約福坦莫大學研讀時尚史獲得人文科學學位，並於 2006 年起擔任 Rizzoli New York 的東京協調員和編輯，2014 年創立 KANA KAWANISHI ART OFFICE，2015 年成立 KANA KAWANISHI GALLERY，開啟了與藝術共生的職涯。近期將擔任 2019 Wonder Foto Day 評審之一。
Winnie：成立 KANA KAWANISHI 藝廊的契機為何？
Kana：早期我負責歐洲與日本的出版業務，發現許多有潛力的本土藝術家，歐洲也有很多優質的出版商，但關於日本藝術的專書卻很少見，於是我想搭起兩者的橋樑。剛開始，一頭熱自掏腰包找了德國書商，出了兩本藝術專書。雖然成效還不錯，但一位藝術家的當頭棒喝，讓我理解到如果要全心推廣日本藝術，我必須進入藝術買賣市場，自給自足才行，KANA KAWANISHI 就這樣誕生了。
Winnie：攝影在什麼樣的機緣下，成為藝廊的重要項目？
Kana：我曾經在管理攝影師的機構工作，對於能夠揭露事物表象的攝影，特別有興趣。隨著閱歷增加，我也開始對各種媒介的當代藝術產生興趣。吸引我的作品都有某些共通點，就是能夠反映社會現實或揭露宇宙的真理，呈現手法上通常都帶點觀念（conceptual）的意味。
攝影是真實事物的反映。與繪畫比起來，它的任意性很低，必須在器材的框架中，以有限的語彙表達。這些特性對我來說，是攝影比較有說服力的原因。Hideo Anze，Kana 的第一位攝影藝術家，便是很好的例子。他擅用極簡的視覺語彙，這讓他的作品非常純粹有力。但他說的議題是相對複雜的，通常是關於某個社會事件，或探討攝影這個媒介本身的功能性，對當代社會的意義。Anze 的作品《Stripe（50Hz）》用 iPhone 拍下生活中電流頻率干擾所形成的頻閃（flicker），每天上傳 Tweeter。50Hz 是東日本的交流電頻率，這代表被 Anze 拍下的電流，是由建造福島第一電廠的東京電力公司（TEPCO）製造。藉由拍攝和上傳抽象的頻閃線條，Anze 希望每天提醒大眾，2011 年福島核災造成的傷害仍影響至今。
Winnie：KANA KAWANISHI 有許多藝術家活躍於歐洲，你認為歐洲和亞洲藝術市場最主要的差異是什麼？
Kana：在當代攝影的領域，歐洲相對成熟很多。我無意悲觀，但這跟亞洲相對保守、謹慎的文化有關。歐美對藝術品的接受度比較大膽、直覺，也挺信賴個人品味偏好，而亞洲還是比較能接受已經成名的藝術家。這當然還是有意外的，我也經常在國內藝術博覽會或藝廊，看到一些不一樣的嘗試。但以我的經驗來看，藝術市場唯一不變的就是變，所以比起預測市場偏好，我更傾向於選擇那些直接打中我內心的作品。
Stripe (50Hz) 2015/05/16 13:19:55 aoba-ku 2015 | digital type c print (frontier) | 297 × 200 mm © Hideo Anze, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY 
Stripe (50Hz) 2017/03/22 19:32:57 shibuya-ku 2017 | digital type c print (frontier) | 297 × 200 mm © Hideo Anze, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY
Winnie： 有幾位攝影藝術家的拍攝主題都有明顯的在地感，對 Kana 而言當代與在地之間的關聯為何？
Kana：作品在藝術家日常生活環境中產出，對當代攝影而言，是一件非常重要的事。就像安瀬英雄（Hideo Anze）《Stripe（50Hz）》非創作者同時是一位記者，我認為所有創作都應該跟生活的地方有關。
註：安瀬英雄的作品《Stripe（50Hz）》，目前獲得大英美術館典藏。
born #1 2014 | archival pigment print | 1098 × 728 mm © Ryota Kikuchi, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY 
ride on time 2014 | archival pigment print | 1098 × 728 mm © Ryota Kikuchi, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY
菊地良太（Ryota Kikuchi）的整個創作脈絡也是很在地的。Kikuchi 是一個徒手攀岩（free climbing）好手，作品的靈感就是來自這項興趣。從兒時住所大阪移居到千葉，Kikuchi 失去了與故鄉土地的連結。「徒手攀岩者必需對地景結構與形狀有敏銳的觀察力，然後用身體去呼應。」他透過身體與地景的互動，拍攝每天通勤經過的地方，重新找回對於土地的踏實感。
長谷良樹（Yoshiki Hase）是另一個很好的例子，雖然他的每個題材都很迥異，但拍攝父親出生地的作品《ENA》 ，除了呈現他一貫特有的美學之外，也成為 Yoshiki 創作生涯中一個有趣的亮點。
上面提到的藝術家作品都不只是純粹紀錄，他們都超越攝影最普遍、原始的記錄功能，以單一的平面影像，傳遞深刻複雜的概念，這也是我對當代攝影著迷的原因。
Winnie：對於年輕一代的日本攝影藝術家有什麼樣的期許？
Kana：年輕一代沒有經歷過底片時代，他們對媒介的認知是完全不同的。以輸出這件事來講，他們會把影像印在各式各樣的媒介上，老實說我不是很習慣這件事。對我來說，科技進步讓選擇更多是好事，但並非越新穎越好，而是要思考使用的必要性，建立在傳遞意義的目的上，這樣作品才能在時代洪流中走得更長遠些。
從帶有紀實色彩到純粹的觀念攝影，KANA KAWANISHI 所呈現的議題涵蓋歷史、私人記憶、科技，不限於日本國內，甚至觸及新媒體。收到長達五頁圖文並茂，由 Kana 親自彙整的藝廊與藝術家介紹，瞬間肅然起敬，這儼然是日本職人精神的體現。在台灣，幾乎很難找到像 Kana 這樣對當代攝影用情至深的藝廊。喜愛攝影的朋友若想好好認識當代攝影，在造訪東京時，除了大眾口味的東京都寫真美術館、民間的私寫真藝廊之外，不妨走一趟 KANA KAWANISHI ，體驗這間看似小眾，卻對當代攝影懷抱宏觀視野的藝廊。
