剛剛過去的Photo London為攝影師愛德華·伯汀斯基（Edward Burtynsky）做了一個特展，還被授予了「攝影大師」（Masterof Photography）的稱號,這無疑是一種盛大的禮遇。但對攝影師Edward Burtynsky來講，這其實也還好，不僅因為他見的大場面多了去了，還因為他拍攝的所有系列，幾乎都是就一個主題，跑遍了全世界各地，拍盡了大場面。
這篇文章，轉載自代理Edward Burtynsky的弗勞爾斯畫廊（Flowers Gallery），原文是CNN的撰稿人Nick Glass5月19日在其網站刊發採訪專文，由Flowers Gallery香港空間的郭暢翻譯。愛德華·伯汀斯基：技術革命把我們變成了病毒
愛德華·伯汀斯基（Edward Burtynsky）喜歡放寬視野，以大為美，這是他的本能。每當這位加拿大攝影師構思一幅畫面，他都把它想象得很大，一般是9英尺乘18英尺左右，甚至更大。不過聯繫到他拍攝的題材，就會覺得這樣的尺寸完全合理。
在過去差不多35年的時間里，伯汀斯基一直在拍攝人類對自然景觀的工業干預。他的全景攝影也隨著技術的發展而發展。2003年開始，他借用直升機獲得更好的視角，2012年，他開始使用定制的無人機。伯汀斯基的照片讓我們以一種全新的、更細節的方式俯看這個地球。
▼ Edward Burtynsky-《Water 水》系列
我們都知道人類正在讓這片土地變得傷痕累累，但伯汀斯基提供了驚人規模的視覺證據：大片巨大的傷口深深地扎進地球，從煤礦和銅礦、煉油廠、鹽田，到所有的荒地，石油洩漏和由此產生的殘骸。
和美國宇航局從太空拍攝的照片一樣，伯汀斯基的照片也有無可爭議的美。他以繪畫般的視角觀看這些工業景觀，這正是悖論產生的地方。他說：「技術革命把我們變成吞噬所有生物的病毒，生物多樣性正在減少。」
正如伯汀斯基自己意識到的那樣，他把一切記錄得很美，讓一切盡可能地具有「視覺的吸引力和超越性」。對觀者來說「是身臨其境的體驗」。在伯汀斯基的觀點里，天啓/世界末日也有其絕美的時刻。
▼ Edward Burtynsky-《Salt Pants 鹽田》系列
為了這次攝影項目，Burtynsky前往印度西部古吉拉特邦的喀奇蘭恩，該地區每年由十萬多位工人從阿拉伯海提取約100萬噸鹽:
人類的影響
在這次短暫的倫敦之行，我和伯汀斯基見了面。剛過去的Photo London上，他發表演說並展出作品，另外，還被授予了「攝影大師」（Masterof Photography）的稱號。伯汀斯基顯然是個大忙人，他的生活方式和遊牧差不多，在這之前，在法蘭克福郊外舉辦攝影展，還在印度尼西亞進行水下拍攝。
伯汀斯基的作品很大，通常是60英吋乘80英吋。觀者經常需要通過閱讀作品標籤來確定自己究竟在看什麼。在Photo London展出的照片有位於加拿大不列顛哥倫比亞省的銅礦開採（觀者凝視著一個巨坑，旁邊是蜿蜒曲折的道路，載滿貨物的卡車爬上爬下）、尼日爾三角洲石油掠奪（這是一塊被油污燒焦的土地，泥濘的海水和稀疏的植被）、閃閃發光的意大利大理石採石場（一堵由卡拉拉大理石做成的令人驚嘆的垂直牆，被大塊的石塊標出，準備被開採）。
▼ Edward Burtynsky-《Quarries 採石場》系列
在採訪的過程中，伯汀斯基稱自己為「藝術家」。他告訴我，自己受到抽象表現主義的影響。在以往的採訪中，他提到過傑克遜·波洛克（Jackson Pollock）和保羅·克利（Paul Klee），從其照片中的圖形和柔和的泥土色調也可以看出他們的影響。「我喜歡波洛克畫面的強度和活力。」他解釋道。
在伯汀斯基的照片中，我們看到的是漩渦、螺旋和環形。這些景觀有時看起來像人造的、被填塞的長方形，被塗抹著泥污的顏色和彩虹色的浮油。在人類消耗自然資源的過程中，似乎喜歡情不自禁地留下痕跡和圖案。看著這些圖像，我發現自己渴望生命的跡象。在幾張照片中，可以看到偶爾出現的人，鋸木廠裡戴著安全帽的小人影，或在尼日爾三角洲的石油沼澤里划著小船的村民。
伯汀斯基將他最新作品系列命名為《人類世》（Anthropocene），一些科學家用這個詞來定義我們現在的時代，因為人類已經成為影響地球氣候和環境的主要因素。伯汀斯基認為「人類世」的時代始於19世紀，當時內燃機得到廣泛使用。另一些人認為它開始得晚些，在1945年和核試驗之後。
不管怎樣，伯汀斯基聲稱自己沒有偏見和主觀色彩，他說自己的作品「具有啓示性而非指責性。「這些景觀只是我們自身造成的後果」，他希望自己的攝影，他的「傳染至整個地球的皮疹大全，」已經產生了一些影響，尤其對「不那麼熱衷於（攝影）物質性」的新一代攝影師。
但這還是引出了最老生常談的問題：地球的未來是什麼？
伯汀斯基回答說：「我仍然樂觀地認為，科技將拯救世界。」儘管他的語氣暗示截然相反的態度。他驚訝地說，「面對這麼多大規模亟待解決的問題，我們的反應到底有多慢，而且這些問題似乎是不可完成的任務。」唐納德·特朗普當選時，伯汀斯基整整一個星期沒睡，他說：「35年過去了，我們看著城市的廢墟，看著我們的生活，我們快沒時間了。」
然而，伯汀斯基並沒有以一種充滿激情或危言聳聽的方式傳授觀點。他生性隨和，這些他以前都說過，以後還是會這麼說。只是，他所觀察到的一切讓他感到焦慮。回歸自然
在還是一名年輕攝影師的時候，伯汀斯基對「原始景觀」（pristine landscapes）感興趣，以及嚮往過去。在說到自己早期所受的影響時，伯汀斯基提到兩位二十世紀偉大的美國攝影師，安塞爾·亞當斯（Ansel Adams），因其對美國西部景觀的宏偉描繪；埃利奧特·波特（EliotPorter），因其對自然肖像畫般的呈現。但伯廷斯基很快意識到，「在我作為藝術家的時代，被改變的景觀更真實。」
這一切開始於1983年，那時只有「我和我的車還有我的相機，」拍攝穿越落基山脈（Rocky Mountains）的鐵路線，以及加拿大西部的煤礦。然後他去了更遠一點的地方，在鹽湖城（Salt Lake）附近的露天銅礦。接著，沒過多久，伯汀斯基以200美金的價格將他的第一批景觀照片賣給了一家博物館。
伯汀斯基承認，從來沒有想過要靠這樣的攝影形式謀生。一開始，只是在多倫多建立商業攝影工作室，以此補貼自己的創作。如今，他的大畫幅攝影作品，一張三個版，每張以10萬美金的價格出售。但他也策劃複雜的攝影項目，拍攝成本同樣高得驚人。
伯汀斯基知道像他這樣創作的人不少，但他的創作範圍和方向是最具全球性的。一些北美攝影師，也對傷痕累累的地球景觀感興趣，他特別提到埃米特·高文（Emmet Gowin）、大衛·邁瑟（David Maisel ）和理查德·米斯拉奇（Richard Misrach）這三位攝影師，他們的作品更關注美國景觀。無論如何，伯汀斯基還將帶著他的萬能工具Google Earth，以及由製片人、紀錄片導演和無人機操作員組成的團隊繼續他的世界旅行。
但如何獲得進入權通常是最大的挑戰。「他們不希望你在那裡！」我插了句嘴，他表示同意。9個月前，伯汀斯基在世界最北部的城市，俄羅斯北部的諾里爾斯克（Norilsk），那裡有大量的鎳、銅和鈀露天礦藏。持俄羅斯文化活動簽證來到那裡的伯汀斯基說：「那可一點也不輕鬆。」(如果他嘗試以記者身份進入，很有可能會被拒絕入境。)
2005年，伯汀斯基出版了一本關於中國的書，題為《中國》。
▼ Edward Burtynsky-《China》系列
他很輕鬆地承認，「我的書名沒什麼詩意。」伯汀斯基的下一本書，把注意力轉移到非洲。63歲的他，默默把那些去過拍攝過的國家從清單上划掉，這次是尼日利亞（尼日利亞的首都拉各斯，他稱之為「全球主義的超級熔爐」)、肯尼亞（他在那裡拍攝了燃燒著象牙的巨大火葬壇）和加納（他從上方俯拍了一個引擎回收工廠)。
也是從這以後，伯汀斯基每次拍完項目後都給自己預留短暫的喘息時間。不過，最近他又回到「原始環境」，拍攝溫哥華的古老森林，他還帶了由10名潛水員組成的團隊去印度尼西亞科莫多國家公園的珊瑚礁。其成果將是一幅200平方英尺的攝影作品，畫面上的珊瑚牆和現實大小完全相同。這幅畫面由160張高分辨率單張攝影數碼拼接而成。伯汀斯基描繪道，「令人驚嘆的顏色！紅色、橙色、紫色。」
伯汀斯基還經常提到亨利·卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson）經典的「決定性瞬間」，然而，他提醒我，自己的拍攝方法其實很不同，「沈思和有條理。」伯汀斯基喜歡花時間等待合適的光，通常是陰天，但光線明亮。接著，他會把畫面做得盡可能得大。
關於藝術家
愛德華·伯汀斯基（Edward Burtynsky，b.1955），來自加拿大的攝影師和藝術家，他以拍攝受到工業干預的巨幅自然景觀而聞名，對我們不斷惡化的環境進行長期的視覺研究。
伯汀斯基的作品通常都是從空中視角拍攝，他主要的作品系列《水》（Water）中的照片具有獨特的抽象性和繪畫性，圖像並沒有關注水本身，而是集中在人類為了利用、塑造和商品化水而建立的系統上。《水》基本遵循之前作品系列《石油》（Oil）、《中國》（China）、《採石場》（Quarries）的形式，這些圍繞龐大主題而展開的百科全書式的探索，通過一系列相關章節和地點串聯起來。伯廷斯基去年的作品系列《鹽田》（Salt Pans），從印度西部古吉拉特邦高空拍攝小卡吉鹽沼地，畫面中散布著大量不規則的幾何形狀，這些照片同時兼有工業景觀的絕美和地球資源耗盡的不安現實。這些攝影系列由德國老牌藝術出版社Steidl編輯發行攝影書，其中《石油》、《水》、《採石場》已售罄。
愛德華·伯汀斯基的作品被全球超過五十家美術館機構作為公共收藏，其中包括紐約現代藝術博物館（MoMA）、紐約古根海姆博物館（Guggenheim Museum）、倫敦泰特現代美術館（Tate Modern）、馬德里索菲亞王后國家藝術中心博物館（MuseoNacional Centro de Arte Reina Sofa）、加拿大國立美術館（NationalGallery of Canada）等。
關於弗勞爾斯畫廊
弗勞爾斯畫廊（Flowers Gallery）起家倫敦西區，由安傑拉·弗勞爾斯（AngelaFlowers）於1970年創立，至二十世紀八十年代，弗勞爾斯畫廊搬至倫敦東區，成為最早在這一帶開設藝術畫廊的先鋒者之一。1989年，安傑拉·弗勞爾斯的兒子馬修·弗勞爾斯（Matthew Flowers）開始接管，之後二十年間，弗勞爾斯畫廊逐漸國際化，在紐約切爾西區開設畫廊，並在梅費爾區設立第二家位於倫敦的畫廊。
弗勞爾斯畫廊活躍在國際藝術博覽會，積極推出藝術出版物，共代理超過40位進行不同藝術媒介創作實踐的藝術家，畫廊自成立至今，藝術家作品在全球美術館集中展出。弗勞爾斯畫廊在香港設立辦公室，將繼續致力於在國際上支持藝術家及收藏家。
