Jungjin Lee的照片有一些明顯的手工感，譬如使用韓國「米紙」（rice paper）、照片經過”light liquid”處理。
所以第一時間會覺得非常的復古。
好像是19世紀的攝影家所拍攝的照片，譬如Talbot所拍攝的門邊掃把。
但她這樣做並不是製造一種東方的、懷舊的情趣，她想要呈現的是地景在主觀與客觀之間的「質地」。
我知道這是一個很老套的說法，所以只能從視覺上解釋。
當我們面對一個銳利、清晰的畫面，我們會想像那是事物本身的性質，譬如岩石的顆粒、山的重量。
當我們看到一些抽象的構圖，我們會傾向遠離事物，而去觀察形式的構成。
當我們看到光影與細膩的色階，我們會被勾引起複雜的感性經驗。
然而Jungjin Lee的特色是，她相當克制的讓這種精神化過程剛一發動就停止了。所以你不完全感受到心象，但又不完全感受到物象。
攝影術早期給予觀眾一種很怪異的感受，譬如畫質不精細、景物難以精準控制，但這些缺陷卻那麼美，好像事物被覆蓋了一層面紗。攝影師不斷尋思到底看到了什麼，如果那不是眼睛所見的現象，又並非心造的意象，那它必定是一種更永恆的，像是譬喻ㄧ樣的東西，恰巧被相機捕捉到。
Jungjin Lee對於攝影乃至於當代藝術的意義是，試圖證明一張張照片。
而非照片的群集、裝置與連結的主題，仍然可以有力量。
但是她所面對的問題是，照片的缺陷要如何不被視為一種手工、懷舊甚至東方的風格，而是貫通景象與心靈的通道。
